「Khadi インドの明日をつむぐ」感想

　昨日、六本木の「21_21 DESIGN SIGHT」で開催中の「Khadi インドの明日をつむぐ」という展示を見てきました。

　Khadi（カディ）というのはインドの織物の名前です。糸車を使って紡いだ糸を、手織り機で織り上げる。素朴ながら薄くて繊細な布地。全ての工程が手作業で、それが独特の風合いを生み出している。何より暑い時に着たらすっと汗を吸い取ってくれて涼しそう。
　糸の密度を変えて濃淡を出し、格子柄にしているものとか、綺麗だったなぁ！
　芯を入れずに布だけで作るという、丸いボタンも可愛かった。

　機械の方がずっと早く大量に生産出来るのだろうけど、私は手で作り上げた美しいものに強い憧れがある。指先の感覚でしか表現出来ないものはまだまだ沢山あると思うし、「作る」という行為が人の心に与える影響を重視しているせいもある。
　効率的な生産を否定したいのではなく、目的によって使い分けたい。
　選択肢の一つとして、消えてしまいやすい手工芸を守れたら、と願う。

　小規模な展示なので30分くらいで回れた。映像を全部じっくり見たらもう少しかかるかな。
　珍しくＤちゃんと二人で鑑賞し（いつもは忙しくて私一人の時が多い）その後、南イタリア料理のお店「Napule」でホタルイカのパスタを食べて、ゴールデンウィークの楽しい思い出になりました♪

　Khadiの服、欲しいな〜　真夏に着たい！
　

「石内都 肌理(きめ)と写真」展感想

　横浜美術館で開催中の石内都さんの写真展に行ってきました〜！
　私は石内さんの写真が大好きなのですが、その感情はあまりにも個人的で、
「面白いよー！　ぜひ行ってみてー！！」
　と薦めるような感じでは全くない。

　石内さんの写真のどこが良いか、正確に言葉にするのは難しい。
　撮られるべきものがきちんと写っている。
　余分なものも足りないものも過剰なものもない。
　それを基本とした上で、胸の奥の方にじわじわと来る何かがある。

　塗料のはがれた壁や、年老いた人の肌の質感。
　ざらつきやしわ。それを作り出した歳月。

　痛みはあるが「痛々しい」のではない。
　もっと静かで深い疼き。

　傷と傷跡は違う。
　傷跡は「治っている」
　記憶だけを残して。

　私は浅はかさを罪だと考えている。
　浅はかさは人を傷付けるし、物事の解決を難しくしたりもする。

　人間には表面しか見えない。
　今現在の姿しかとらえられない。

　でも物事には、内側もあれば過去もある。
　表面から、内面や時間の積み重ねを正確に読み取ろうと努力することが、浅はかさから抜け出すための道になるのではないか。
　誤読をしてしまう可能性も十分にあるけれど。

　「分からない」のが世界や人間の本質で、もし「分かった」と思ってしまったら、そこには何らかの技術か作為かまやかしが存在しているのではないか。

　簡単に答えを出さないこと。
　考え続けること。

　フリーダ・カーロの遺品の写真が会場で一番華やかで、美しかった。
　色彩がぱあっと明るく、フリーダの悲しみより、彼女がそれを選んだり、身に付けたりしていた時の喜びの方が強く伝わってきた。

　会場には展示されてなかったけれど、石内さんが撮影した荒木陽子さん（アラーキーの奥さん）の写真もあるらしい（写真集のタイトルは「1・9・4・7」）写真美術館の図書室あたりで探してみよう。


写真関係 (単行本) -

　この石内さんのエッセイ集も読んでみたいな。
　

「オットー・ネーベル展 シャガール、カンディンスキー、クレーの時代」感想

　バウハウスのことが知りたくて行ってきました。
　バウハウスとは、美術と工学を融合させるという理念によって設立され、わずか14年でナチスによって閉鎖された建築学校。

　オットー・ネーベルはバウハウスで活動したことはないそうですが、バウハウスで教鞭を執っていたカンディンスキーやクレーと交流し、影響も受けていたので、バウハウス関連の展示品がけっこうありました。
　そのほとんどが、何故かミサワホーム所蔵。
　調べてみたら「ミサワバウハウスコレクション」というものがあり、約1500点のバウハウス関連作品を保有していることが分かった（公式サイトはこちら）

　オットー・ネーベルのことは全然知りませんでした。
　気難しい性格で、作品の制作手法も厳密だったようですが、作品そのものは色彩が美しく、親しみやすい。
　ナチスから逃れるため、スイスに亡命した。
　そこでもすぐに歓迎された訳ではなく、その時の苦労を伝える紹介映像が切なかった。

　シャガール、カンディンスキー、クレーの作品も思ったより多くあって楽しかったな。
　シャガールの絵を見ると20代の頃のことを思い出す。
　当時あちこちでシャガール展をやっていて、こまめに見に行っていた。
　絵の前でぼーっとするだけで幸せな気持ちになる。

　ミサワバウハウスコレクションは、バウハウス創立100周年にあたる2019年に向けて、色々企画を準備しているようです。そちらも楽しみ。
　

新海誠展「ほしのこえ」から「君の名は。」まで

　国立新美術館で開催中の新海誠展に行ってきました〜！！
　平日だったためそれほど混雑しておらず、チケット購入・入場・音声ガイドレンタル、全て並ばずに済んでホッ。
　カフェは少し並びました（予約なしで、映画に出てくるあの席の隣に座れたよ）

　何と言っても目玉は神木隆之介くんの音声ガイドです。
　一番初めの「こんにちは」でもう胸がキューンとした。
　綾野剛が全ての女子にとっての情夫であるならば、神木くんは万人にとっての「初恋の人」ですよね……

　色んな見方の出来る展示だと思うけれど、私は、新海誠がどんな風に悩みながらこれまで作品を作ってきたか、という点に最も興味をひかれた。
「自分が作れるもの」
「自分が描きたいもの」
「ファンが求めるもの」
　に、どう折り合いをつけるか。

　無茶しないで、やれることをきちんとやった「秒速5センチメートル」「言の葉の庭」あたりがやはり名作だと思うので、作家としてどうジャンプするかというのは難しい。だからといって同じような作品ばかり作っていたら、固まってしまうし。

　新海監督の出身地である長野県小海町は上空の気流が複雑で、雲の形が表情豊かに変化しながら通り過ぎるという。行ってみたい！
　上京後しばらく武蔵浦和に住んでいたそうで、それで「ほしのこえ」の舞台があのあたりなのかと。

　アニメ監督でありながら、私小説を書く作家のように、作品と生活が密着している。
　最初のうちは見よう見まねで描いていたとか、立派な監督さんなのに、何だかすぐそばで頑張っている人のようで、きっと古くからのファンはそういうところに魅力を感じて応援してきたのだろうなと。

　お父さんが建設のお仕事をされていた、という年表の記述も目を引いた。
　だから自然と建築物の両方を愛情込めて描けるんだな、と。
　テッシーのことも思い出しますね。
　会場では、新海監督が映像を制作した、大成建設のCMも見られる。

　絵コンテと作画資料の展示は数が多いので、興味のある部分だけザザッと。
　「言の葉の庭」のユキノ先生についての、
『「クールというよりカワイイ」同時に「なんか瞳孔開いててコワイ」です！』
　という指示が面白かった。

　こういう細かい工夫の積み重ねで、ユキノ先生の多面性が形作られていたのかと。
　彼女はアニメのキャラらしくない生々しさを感じさせつつ、絵でしか表現出来ない美しさもあり（あの足！！！）印象的ですよね。

　美術背景についての解説を引用する。

「新海作品の背景描写は、写真加工と見違える緻密さだが、写真は場面レイアウトのベースに使われ、実際には人の手で全て描き直されている。この際、強調する部分とそうでない部分を意識し、ディテールを省略するなど、場面に合わせて調整して描かれている」

　アニメに限らず、創作全てに当てはまることだと思う。

　気が付けば、展示室に入ってから3時間以上経っていた。
　細かく読んでいったら、丸一日いても足りないのでは。

　行く前に全ての新海作品を鑑賞しておく必要はないです（私はやったけどな）
　展示を見ながら「これはどんなお話なんだろう？」と空想するのも楽しいんじゃないかな。

　神木くんってば、
「一緒に回れて楽しかった」
　だって！　キャーッ！！
　最初から最後まで、甘酸っぱい気持ちにさせてくれてありがとう♪

　会期は12月18日（月）まで。毎週火曜日休館。
　開館時間は10:00-18:00　※金・土曜日は20:00まで　※入場は閉館の30分前まで
　国立新美術館へ行くのに便利なのは、千代田線の乃木坂駅です。
　

「ジャコメッティ展」感想

　乃木坂の国立新美術館で開催されている「ジャコメッティ展」に行ってきました！
　始まる何ヶ月も前から楽しみにしていて、「歩く男�T」の写真が印刷されているチラシを台所の横に貼り毎日見ていたのに、気付けば最終日まで一ヶ月を切っていた。
　おおお、見られなかったら相当がっかりするぞ、と37℃の炎天下出かけることに。

　会場に着いてみると、意外と空いていてびっくり。
　暑いから？　平日だから？　ジャコメッティあんまり人気ない？！
　夏の美術館ではよくあることながら、作品保護のための空調で寒く、37℃に合わせて薄着にしなくて本当に良かったと思った（それでも最後は持ってきていたマフラーを巻いた）

　ジャコメッティといえば細長いブロンズ像が有名だが、初期作品のコーナーでは「細長くないジャコメッティ」が見られる。
　キュビスム・シュルレアリスム・アフリカ美術等から影響を受けつつ、自分の作るべきものを模索していた時代。

　16歳の頃の作品「シモン・ベラールの頭部」は写実的な像だ。
　しかし不満そうな、思案するような顔で、そこに「何かがある」のを感じ、離れられない。
　伝統的な技法では表現しきれない「何か」をジャコメッティはすでに抱えていて、それを形に出来ないもどかしさが、像に宿っているのかもしれない。

　その後、像はどんどん小さくなり（45歳頃の作品には3.3×1×1.1センチなんてサイズのものもある）大きくしなければ、と1メートルの像に挑戦したら、今度は細くなった。
　小さくしよう・細くしようと思ってやったのではなく、現実を見てとらえたものを形にしようとした時に、何故か小さく・細くなってゆく。
　これにはいったいどんな意味があるのだろう？

　私は若い頃に行った展示（ブリヂストン美術館だったかな？）でジャコメッティの作品を目にし、一瞬で心を奪われた。
「何でこんなに細いんだよ！」
　とツッコミを入れる楽しさもあったが、その像の姿から、一途さや真剣みを感じ取ったような気がする。
　確かに奇妙な形だ。でもこの人はふざけている訳じゃない。

　ジャコメッティの細長さは、草間彌生の水玉のように切実なものなのだ。

「ひとつの彫刻はひとつのオブジェではない。
　それはひとつの問いかけであり、質問であり、答えである。
　それは完成されることもあり得ず、完全でもあり得ない。」
　（展示室の壁に書かれていた文章を引用）

　彫像は正面からだけではなく、周囲360°あるいはしゃがんで下から見上げることも出来る。
　複数体が並ぶ群像は、特に角度によって見え方がかなり変わる。
　私を含めみんな像の周りをぐーるぐる。
　ジャコメッティ、前から見るか？　横から見るか？

　この展示を見ても、ジャコメッティの細さの秘密が分かる訳ではない。
　ただ彼がそのやり方でしか表現し得なかった「何か」は確実にそこに存在し、私は分からないまま芸術と心の不思議を持ち帰った。


↑歩く男�Tは自由に写真を撮ることが出来る！　最近は撮影可能な展示が多いから、使い慣れたカメラを持っていくようにしないとな。
　

こうの史代「この世界の片隅に」原画展感想

　タワーレコード渋谷店で開催中の「この世界の片隅に」原画展に行ってきました〜
　最終日の前日でしたがそれほど混んではいませんでした。
　コミティア実行委員会が贈ったお花が入り口に。

　こうの史代が「この世界の片隅に」を描く時に実際に使用した画材の展示に大興奮。
　Gペン、丸ペン、筆のような漫画家さんなら誰でも使うようなものから、
　鳥の羽根、口紅、紅筆、リップライナーまで。

　私はこの漫画を何度も読み返したのだけど、気付いてないことがけっこうあった。
　第41回りんどうの秘密（20年10月）のリンさんの場面が、口紅とリップライナーで描かれていたとは！
　本では黒インクで印刷されているから黒い線。
　原画では真っ赤で、特にりんどうの妖艶さがリンさんの姿そのもので。

　漫画の中ですずさんが鳥の羽根で描いた絵は、本当に鳥の羽根を使って描いたそう。
　作中で使われた画材のタッチをなるべく忠実に再現しようとしたのだと分かった。
　真っ正直にこの作品ならではのリアルさを追求することが、同時に漫画表現の実験にもなっている。
　単なる思いつきではなく、伝えたいことを伝えるための実験。

　呉沖海空戦の時にすずが追いかける鷺は、現実なのか、すずが頭の中で作り上げた非現実なのか分からないので、鉛筆で描かれている。
　今いる呉の風景がペンで、帰りたい故郷の風景が鉛筆で描かれ、同じページに収まっている。

　この場面、漫画と映画では全く意味が違っていた。
　漫画ではリンさんの存在が大きいから、すずさんが愛と嫉妬で苦しむ修羅場。
　映画では鷺＝昔好きだった男（水原さん）の方に行こうとするすずさんを、周作さんが取り戻そうとする、という気持ちの方が強く出ていた。
　私はどちらも大好きだ。

　第35回（20年7月）以降、背景が全て左手で描かれているというのも、そうだろうなとは思っていたけど、公式の場で書かれるとまた深く感じるものがある。

　会場ではコトリンゴの映画の音楽がずっとかかっていて、全部見終わったところで極めつけの「たんぽぽ」
　ひーっ　泣いちゃうだろ！！
　壁に貼られた大きな寄せ書きにはやたら上手いKUSUNOKI公が。

　展示は5月30日（火）つまり今日の18:00まで（最終入場17:30）
　間に合う方はぜひ。
　また別の会場でも開催してもらえたら良いね。


この世界の片隅に 上 (アクションコミックス) -

「ミュシャ展」感想

　Ｄちゃんと一緒に国立新美術館で開催中のミュシャ展に行ってきました〜
　チェコ国外では世界初公開の「スラヴ叙事詩」がやはり見応えがあった。
　私が絵の中で表現されている物語や情感を読み取ろうとするのに対し、Ｄちゃんは色彩や構図に注目して見ていくのが面白かった。

　歴史を描いたリアルな絵でありながら、デザイン的なテクニックを使っているので、大昔の話というより「現代人のための神話」という印象を受ける。
　発表当時は流行からズレてしまっていたらしく、あまり評判は良くなかったらしい。
　古典的主題と商業的技法の融合って斬新だと思うんだけどな……

　日本の漫画家やイラストレーターがミュシャからの影響を強く受けているせいか、日本人には（特にアニメやゲームなどオタク文化が好きな人には）非常に親しみやすい世界だと思う。

　ミュシャの生涯を紹介する映像コーナーで、最晩年にナチスの尋問を受けたと知った。
　尋問、という言葉にどれだけの恐ろしいことが含まれているかを考え、泣いてしまった。
　ほんの十数分の映像では、ミュシャが人生を送る中で感じた希望や失望がどんなものだったか、本当のところは全然分からないのだけれど。

　悲しいことばかりじゃなかったよね？
　ミュシャの絵のように美しい瞬間も、きっといっぱいあったよね？
　受け手の反応には関係ない、描くという行為そのものから得られる喜びが。

　一部分だけよく知っていた「クオ・ヴァディス」の全体を見られたのも嬉しかった。
　想像していたよりずっと妖艶だった。

　並ばずに入場出来たものの、チケット売り場とグッズ売り場の行列はすごかった。
　可能なら平日に行くことをおすすめします……
　

「バベルの塔」展 感想

　上野の東京都美術館で開催中の「バベルの塔」展に行ってきました〜
　土曜日にしてはそんなに混雑してなかったです。
　メインの展示品であるピーテル・ブリューゲル1世の「バベルの塔」だけは見るために列を作り、正面で立ち止まることが禁止されていますが。
　2回並んで2度見た（そんなに時間はかからない）

　このバベルの塔、恐ろしく細密。
　塔がいかに巨大であるかを表現するために、人間や建築用のクレーンなど、塔以外のものを可能な限り小さく描いている。
　三倍に拡大した複製画も用意されていて、それを見ても細かい。
　双眼鏡を持ってきている人がけっこういた。準備良いな。

　バベルの塔をCGで立体的に再現し、すぐそばまで迫る動画が上映されているので双眼鏡がなくても大丈夫！
　資材を持ち上げる様子や、石灰をかぶって真っ白になった人々を大きな画面で見られる。
　自分自身がバベルの塔に登ったような気持ちになって楽しかった。

　一緒に行った友人は、
「建設中なんだね！　壊されているところだとばかり思っていた」
　と驚いていた。
　バベルの塔の建設は順調で、このまま完成しちゃうんじゃないかという気がした。

　ヒエロニムス・ボスの作品も来ており、パネル展示ながら「快楽の園」の解説があったのが嬉しかった（残念ながら実物は来ていない）
　村上春樹「1Q84」の文庫版の表紙に、この絵が使われているのです。
　意味ありげでどうとでも解釈出来そうな、不可思議な象徴が多く描かれていて、
「春樹の世界にぴったりだ〜！」
　と感激。
「樹木人間の胴体の中は居酒屋になっている」
　というのが意味不明で素晴らしい。

　枝葉の刺繍の画家の「聖カタリナ」の布地の描き方も美しかった。
　枝葉の刺繍の画家、というのは通称。素敵だ。
　本当の名前は残っていないが、作者もそう悪い気はしないのではないか。

　グッズ売り場の「タオルの塔」に脱力した。
　タオルがバベルの塔っぽく積み上げてあるの。
　私はバベルの塔の形のシフォンケーキを購入。
　バベルの塔の窓（よく見ると一つ一つ形が異なる）がデザインされている紙袋が可愛い。

　上野駅では野菜山盛りのラーメンやパクチー山盛りのサラダが「バベル盛り」と宣伝されており、何だか今日は色んなものがバベルだった。
　

「草間彌生 わが永遠の魂」展感想

　国立新美術館で開催中の草間彌生展に行ってきました〜

　館内に入ってすぐ、行列が見えた。
「平日なのに並んでる……！！」
　と驚愕したのですが、それはグッズ売り場の会計の列でした。
　展示には並ばずすっと入れてホッ。

　草間彌生本人のコメントが聞けるというので音声ガイドを借りてみた。

　最初の部屋にあった「生命は限りもなく、宇宙に燃え上がって行く時」と題された富士山の絵と、次の体育館みたいに大きな部屋いっぱいに飾られた連作「わが永遠の魂」を見ている間、ずーっと涙ぐんでいた。
　この人が生き抜いたことに、うわーっとなった感じ。

「幼少期から幻覚や幻聴に悩まされ、水玉や網目模様をモティーフとした絵を描き始めました」
（「ごあいさつ」の文章から引用）

　私にも幻覚の症状がある。
　私を攻撃してくるような幻ではないので治療したことはないけれど（これが治ってしまったら生きていけない）そっちの世界に意識が行ってしまうと仕事や家事がおろそかになるので、効率的に生きるためには「余分なもの」と言えるだろう。

　草間の幻覚は草間を苦しめる内容だったのだと思う。
　それを「芸術」という形にして幻覚と戦った。
　彼女が戦いに負けなかった証が、この巨大で色鮮やかな作品群だ。

「心に余分なものが湧いてくる人」
　が全員草間彌生のようになれる訳ではない。
　しかしその「余分」を別の何かにすることで、苦しみを喜びに変えていく方法があるのではないかと思うのだ（私の場合は小説です）

　連作「わが永遠の魂」は一つ一つの作品を細かく見ていくのも楽しい。
　人間の描き方がコミカルで可愛らしく、
「ちびまる子ちゃんに出て来そう」
　と言っている人がいた。確かに。
「わたしは漫画家になりたい」
　というタイトルの作品もあったりする。

　部屋全体を見渡して草間世界を全身で感じると、精神が温泉に浸かるような効果がある。

　ぎゅうぎゅうではないにしろ、平日とは思えないほど来場者数は多い。
　外国からの旅行者も少なくない。
　みな草間彌生に心惹かれてやって来たのだと思うと嬉しくなる。

「あれが好き！」
　と絵を指差しながら語り合う母娘。
「楽しかった！」
　と言い合いながら部屋を出る若い男の子2人。

「これで第一部なんでしょ？」
「信じられない！」
　と感嘆している人たちが。
　うん、見ごたえすごいね。

　次の部屋では子供の頃に描いた絵など初期作品が集められている。
　黒い点々やからみ合う植物など、描こうとしているものは現在と全く変わらない。
　ただ色彩は薄暗く、本当に必要な表現方法を探している状態だったのだろう。

　音声ガイドでは草間が父母への思いを歌にして歌っていて、それが昭和歌謡っぽいメロディーで、そうだよなぁ、これだけポップな作品を作っていても母や伯母たちと同じくらい（昭和はじめの生まれ）なんだよなぁ、と微笑んだ。

　ニューヨークに渡った後の作品は一転、草間彌生らしさが消える。
　アメリカの現代アート展のようだ。
　この時（1960年代）に草間はポップ・アートやミニマル・アートの手法を取り入れたらしい。
　白地に赤の網目を描いた絵画「No.X」はどこか千代紙のような和風の趣きがある。

　細江英公（三島由紀夫の写真集「薔薇刑」を撮影した写真家）によるパフォーマンスの記録（カラースライド）も見ることが出来た。
　力強いパフォーマーというより、パフォーマンスをしないと（経済的にではなく精神的に）生きていけないか弱い少女が写っている気がした。

　日の光が注ぐ明るい展示室に、大きなかぼちゃの立体作品があった。
　音声ガイドによると、草間は実家の畑でかぼちゃに愛着を抱いた。
　悲惨でみじめな子供時代、かぼちゃが心を慰めてくれた。
　かぼちゃに描かれた水玉は、かぼちゃの表面の突起を表しているという。

　草間にとって「水玉」とは何なのだろうか。
　彼女は「水玉を描いたらおしゃれ」と考えて水玉をモティーフにした訳ではないと思う。

　おそらく当たり前のように、世界中に水玉が見えていたのだ。
　彼女が見ている世界をそのまま見ることは出来ない。
　作品＝見えているもの、でもないだろう。
　具体的には分からないが、子供時代に水玉は、彼女に「恐怖を与えるもの」として現れたのではないか。

　草間のかぼちゃを形取った作品は、心から生じ心を苦しめる水玉（幻覚）と、心の外側にあり心を慰めてくれる愛らしいものが一体化したものだ。
　これは大きな救いの形であるように感じた。

　彼女は水玉を描くことで水玉と戦い、勝ち続けなければいけない。
　かぼちゃのような愛らしいものたちが、その戦いを支えている。
　水玉も気が付けば愛らしくなり、草間の味方となって戦っている。

　電飾がちりばめられている鏡張りの部屋「生命の輝きに満ちて」に入るのは本当に楽しい体験だった。
　上にも、下にも、横にも、無限に光の粒が広がっている。
　宇宙に似ているが、心の中にある宇宙の方が近い。
　難しいことは考えずに「綺麗〜」とつぶやき幸せな気持ちになる。

　音声ガイドの最後の詩の朗読から一部引用する。

「死が待ちかまえていても構うものか」
「死よもう私に語りかけないで」

　草間彌生は若い頃から何度も自殺未遂を繰り返した。
　老いた先にある「死」以上に、
「死にたい」
　という気持ちが彼女を脅かし続けた。

　死に追いかけられている人間が、死を振り払うために歩んだ道。
　その激しい生。
　希死と老衰という二つの死に迫られた現在の草間彌生が放つ閃光は恐ろしく眩しく、美しく、優しい。

　自分を生み出した宇宙への畏敬の念を表したいと草間は言う。
　あんなにも苦しんだのに、この宇宙や生きることを憎んではいないのだ。

　展示場を出たところにある「オブリタレーションルーム」でチケットを見せると……



　シールがもらえる。
　これを好きな場所に貼って良いらしい。



　こんな感じになっている。
　私は思わず床の汚れを隠すように貼ってしまって、
「主婦だ」
　と思った。

　私のように心に「余分なもの」を抱えた人たちが、この展示を見て励まされると良いなと思った。
　自分なりの変換方法（絵、音楽、言葉など）を見つけて、一緒に生き抜いてゆこうよ。
　どこかで私は、あなたの作品を見るかもしれない。
　

「マリメッコ展」感想

　最終日の前日に行ったのが悪いのですが、いや〜　混んでた！！
　チケット買うのに15分くらい並んだよ。

　難しいことは考えずに、ひたすら色鮮やかな布やドレスをぼんやり眺めて回りました。
　寒さのせいかここのところ気持ちが鬱いでいたので、とにかく綺麗なものが見たかった。
　どのデザインも素朴なのに洗練されていて、心楽しい。

　出口のところにもうじき始まる草間彌生展のチラシがあり、マリメッコにちょっと似ていると思った。
　強迫観念を昇華させた草間彌生の芸術と、使う人の気持ちを明るくするマリメッコのデザイン。
　人間の「心」を良い方向へ向かわせるという意味では、意外と近いものなのかもしれない。